Suelo tener el vicio, una vez disfruto de algún contenido audiovisual, de seguir un rastro, de que una cosa me lleve a otra para seguir descubriendo rincones del séptimo arte y crear así un ciempiés eterno: un director, una actriz, un estilo de hacer cine, un leitmotiv…

En este caso, estaba en la Wikipedia leyendo sobre la historia de los Hombres G, ya que acababa de ver, disfrutándolo mucho a pesar de mi predisposición inicial a odiarla, ‘Voy a pasármelo bien’. El tráiler me había dado a entender que se había hecho un ‘Mamma Mia’ en toda regla, es decir, habían creado una trama con más o menos lógica para ir enchufando uno tras otro los grandes éxitos de los Hombres G. Mi intención de machacarla se desvaneció al minuto y medio y disfruté la peli como un enano.

Estaba en la Wikipedia, como decía, y descubrí el origen del nombre del grupo. Siempre pensé que los miembros del grupo eran tan soberbios que se pusieron el nombre pretendiendo ser los hombres Guapos, o los Grandes o los Guays (para mí, que por culpa de mi hermana mayor los escuchaba a todas horas, eran los Gilipollas)… y resulta que tenía que ver con James Cagney y la película ‘Contra el imperio del crimen’ (G-Men, en original).

Evidentemente, me fui de cabeza a verla ya que era otro de esos clásicos pendientes al que nunca le había encontrado el momento adecuado. Y ¡Oh, sorpresa, qué maravilla! Está muy bien tramada y tiene una resolución muy redonda, que luego ha sido copiada hasta la saciedad.

¡Qué manera de dirigir por parte de William Keighley! Un hombre que no ha pasado a la historia con letras doradas a pesar de haber dirigido superclásicos como este, o como el Robin Hood de Errol Flynn.

¡Qué persecuciones en coche! Grabadas 60 años antes de ‘Ronin’ y 80 años antes de la saga ‘Fast&Furious’. Y eso que aquí no había ni un solo efecto digital y, como mucho, se permitían acelerar un poco el ritmo de reproducción para que pareciera que corrían más.

Reconociendo sus carencias, que son muchas y variadas, la disfruté tanto como la protagonizada por Raúl Arévalo y Dani Rovira que, sea dicho de paso, lo hacen bastante mejor que James Cagney y Ann Dvorak.

Así, tanto ‘Voy a pasármelo bien’ como ‘G-Men contra el imperio del crimen, son dos películas que he podido disfrutar mucho, de manera seguida (cosa poco frecuente), con absolutamente nada en común. Bueno, una sola letra, esa G mayúscula que en un film hacía sufrir a los gángsters y en otro a los mamones.

1. La Caza (Thomas Vinterberg, 2012)

Lo primero que debo decir es que cuando me pongo a ver una película, intento hacerlo bajo dos premisas: (1) tener el mínimo de inputs de esa cinta en concreto, para estar tan poco influenciado como sea posible, y (2) hacerlo con la mente en blanco, intentando no hacer vínculos con otros films si no es que son la secuela de aquél o la continuación del otro. Con ‘La Caza’ (maravillosa película de Vinterberg bastante alejada de aquel movimiento Dogma con el que se dio a conocer junto a Von Trier), no fue posible.

Y es que estuve todo el rato con la duda: a los 15 minutos de película, cuando se lía parda con el personaje de Mads Mikkelsen (soberbio, por cierto) se creó en mi cerebro el link con ‘La Calumnia’ (William Wyler, 1961), con las interpretaciones magistrales de Audrey Hepburn y Shirley McLaine, y ya no me abandonó.

La base es la misma: la mentira de una niña hace que se desarrolle toda una historia de hundimiento. Hundimiento físico de los protagonistas, que son las víctimas aparentes, pero también el hundimiento moral de todos los que les rodean, que dejan caer sus máscaras de hipocresía para que puedan salir a flote sus instintos más primarios, sus reacciones más viscerales.

Al final, las dos películas son víctima de su tiempo y así como en la película de Wyler la mentira habla sobre la homosexualidad, una temática muy tabú en el momento y hoy en día (en principio) superada, ‘La Caza’ trata del abuso infantil, lacra que si bien ha existido siempre salió a la superficie con el nuevo milenio.

¿Sabía Vinterberg de la existencia de ‘La calumnia’? Creo estar convencido de que sí y la duda es si se trata de un plagio voluntario o de una coincidencia inconsciente. ¿Es homenaje o es “inspirado en…”? ¿O no tiene nada que ver una con la otra? Y lo más importante: ¿Por qué tuvo tanto reconocimiento ‘La Caza’ y se recuerda tan poco a la meritoria ‘La Calumnia’?

Dos grandísimas películas, que merecerían columna individual cada una, pero que estarán unidas en mi mente para siempre.

El tren de Bertha (Boxcar Bertha, 1972)

Película muy irregular con escenas de auténtica serie B, como el tiroteo final. Es una película sencilla que no aspira a más de lo que ofrece. Se deja ver, pero no dirías que ninguno de sus protagonistas, Barbara Hershey y David Carradine llegaran a nada. Tampoco su director.

Director: Martin Scorsese (Taxi Driver, Casino, Toro Salvaje, Uno de los nuestros…)

Sal y Pimienta (Salt and Pepper, 1968)

Ni siquiera es entretenida. Película hecha para evitar el aburrimiento entre borracheras en Las Vegas, quiso ser una vía de lucimiento para Sammy Davis Jr. y Peter Lawford, que no se lucen para nada. Para ser una película ligera, 100 minutos de aburrimiento siguiendo una investigación que no interesa, es demasiado.

Director: Richard Donner (Superman, La profecía, Arma Letal, Los goonies…)

Saludos (Greetings, 1968)

Locura incomprensible que mezcla la historia de un obseso con el asesinato de Kennedy, un futuro fotógrafo/cineasta y un intento de evitar el reclutamiento para Vietnam. Ni el debut de Robert de Niro la salva. Situaciones inconexas y malas ubicaciones de cámara. Se entiende que quisiera romper con lo establecido, pero acaba rompiendo el alma.

Director: Brian de Palma (Atrapado por su pasado, El precio del poder, Los intocables de Elliot Ness, Missión: Impossible… )

Piraña II: Los vampiros del mar (Piranha part two: The spawning, 1981)

Segundas partes nunca fueron buenas (aunque este director nos demostrara años después que podía hacer la excepción) y segundas partes de películas malas suelen ser aún peores. Piraña 2 está llena de clichés mal desarrollados y de voluntad de sorpresa fallida. Si uno tiene afán completista y la quiere ver, allá cada uno con su tiempo libre.

Director: James Cameron (Terminator I i II, Titanic, Avatar…)

El cuchillo en el agua (Nóż w wodzie, 1962)

Al final, es cierto que la escasez de recursos ayuda poco. Pero… ¿quién daría recursos después de ver esta película? Mal actuada, mal guionizada y con una dirección poco firme. Cierto es que el cine polaco de los 60 nos es tan lejano que no ayuda a su visualización, pero creo que para los polacos (aunque la mandaran a los Oscars y fuera una de las cinco nominadas) tampoco fue fácil. 

Director: Roman Polanski (La semilla del diablo, Chinatown, El Pianista, La venus de las pieles…)

Cinco grandes directores, cinco grandes fiascos como películas. Por suerte, tuvieron las oportunidades, los medios y los recursos para seguir en el intento, ya que sería inimaginable un universo sin sus películas.

Hay debuts y debuts. No es lo mismo intentar hacerte un hueco en la dirección viniendo de nuevo, que si ya estás metido en la industria. Hoy os explico que he visto Gente Corriente, la primera película como director de Robert Redford.

A primera vista, con apenas 5 minutos de metraje, ya sabes de qué irá la película, aunque quizá no sabes cómo se adentrará en esos terrenos tortuosos de la psicología. Redford lo hace poco a poco, empieza con un par de tonterías, como si te fuera a contar algo banal y las va engrandeciendo hasta que te topas con una tormenta de sentimientos que te abruma.

En gran parte, el mérito es de sus dos actores principales: Un Donald Sutherland contenido, muy contenido, pero expresivo a la vez, que muestra la caldera interna a punto de explotar. Sin duda uno de sus mejores papeles. Por otro lado, el debutante Timothy Hutton, que con apenas 19 años es capaz de hacernos comprender el tormento y la culpa, el deseo y el miedo, la esperanza y la demanda, el amor y el duelo y tutti quanti sentimientos de un adolescente, todos mezclados en su justa medida y cada uno con sus matices, para ofrecernos una actuación antológica. 

Judd Hirsch y una jovencísima Elizabeth McGovern les ayudan y los cuatro juntos contrarrestan la actuación pétrea de Mary Tyler Moore (nominada a mejor actriz, más por su guion que por su actuación…) que resta al conjunto general.

A Hollywood le encanta que sus niños guapos se demuestren además listos, algo que se vería repetido más adelante con Kevin Costner, Mel Gibson o George Clooney entre otros. Antes que a todos estos guaperas, la academia premió a Robert Redford y su película debutante con 4 Oscar: Mejor película, director, guion y actor secundario (merecidísimo, para Hutton).

Que Hitchcock es uno de los grandes directores de la historia del cine es una obviedad. Y  aunque se le reconocen también algunas películas fallidas (‘Pero…¿Quién mató a Harry?’, ‘Topaz’…), quizá no acaben siendo malas y, sin duda, son superiores al mejor film de muchos otros directores. ‘Cortina rasgada’ es un ejemplo de ello.

Cortina rasgada es hija de una época y de un momento histórico. La guerra fría estaba en su apogeo, en el momento más tenso entre los dos lados del muro de Berlín, y el telón de acero (esta es la cortina a la que se refiere el título) separaba a los buenos de los malos. Hitchcock se pone al servicio de los buenos con una película que no es de terror, ni de suspense prácticamente, sino de intrigas políticas y un poco de espionaje.

A pesar de no ser la mejor producción de Hitchcock, no debemos olvidar quien estaba tras las cámaras. El talento le supuraba e, incluso sin querer, nos deja escenas como la del autobús, o la del teatro, simplemente magistrales. En realidad no pasa nada, y ya sabes que lo que podría pasar no pasará porque sería el fin de la película, pero la tensión es genuina y atrapa al espectador contra la butaca (o debería decir contra el sofá…) sin remedio.

A pesar de contar con un reparto inmejorable en ese momento, éste es seguramente uno de sus puntos flojos. Julie Andrews sorprende en la primera escena en una actitud poco “marypoppiniana”, pero después adopta el papel de acompañante del protagonista y no lo suelta en ningún momento. Su actuación no aporta nada a la película, aunque tampoco estorba porque, como digo, no hace nada.

Tampoco Paul Newman, grande entre los grandes, nos regala aquí ninguna gran actuación. La contención de su personaje, un frío científico, le ata tanto que apenas si expresa nada y en las escenas en las que se supone que está tenso tiene la misma cara que cuando está indeciso o cuando está asustado. Parece que un actor sin nombre se hubiera puesto una careta de Paul Newman y hala, a correr. 

COLOR OUT OF SPACE: Viva el terror cósmico.

Es complicado adaptar a Lovecraft. 

Pocas películas han logrado acercarse al universo del escritor y la mayoría se han conformado con poder capturar algo de su espíritu. Por fortuna, Richard Stanley es un tipo peculiar, algo inconsciente y con el grado de locura ideal para para adaptar el relato corto de “El color del espacio exterior”. Entiende lo esencial del relato, sabe llevarlo a su terreno y hacerlo suyo.

Nicolas Cage on fire.

Nicolas Cage encabeza el reparto, recién salido de la psicotrópica 'Mandy', que le sirvió para dar rienda suelta a toda su locura y así poder estar más comedido en 'Color Out of Space'. Pero eso no quiere decir que aquí no aparezca el Nicolas Cage más histriónico de los últimos años. ¿Acaso un proyecto como éste podía estar interpretado por alguien que no fuese Cage?

La película coge lo mejor del cine de invasores extraterrestres de los años 50 y los remakes de esas mismas películas realizados en los 80 y lo glorifica añadiendo a la ecuación la aparición de alpacas mutantes, insectos extraterrestres y seres amalgamados más propios del cine de Brian Yuzna o de John Carpenter. 

Su presupuesto ajustado luce como si fuera 3 veces más alto, combinando unos CGI más que correctos, con unos efectos prácticos estupendos. Acompañados por una inquietante banda sonora electrónica a cargo de Colin Stetson que le da a la película un toque ochentero  y atemporal al mismi tiempo.

En el relato original no se especifica color alguno sino algo imposible de describir, pero la película opta por inundar cada fotograma de un precioso e hipnótico color púrpura. Es gracias a la fotografía de Steve Annis, quien genera una atmósfera incómoda y, como no podía ser de otra manera, muy marciana.

Si hay algo que no convence en 'Color Out of Space' son las tribulaciones personales de cada uno de los integrantes de la familia protagonista. Están expuestas de manera torpe y es algo que no va a tener consecuencia con el futuro que les espera a cada uno de ellos. Es más, el personaje que menos manifiesta sus miserias, el de Nicolas Cage, es el que mejor funciona. Al fin y al cabo, la locura que les invade es lo único que importa. Y para demostrar eso, ya sabemos que Cage es único. 

Si os habéis quedado con ganas de más, recuperad 'Granja Maldita', versión del mismo relato realizada en 1987.